Música clásica

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Nota de desambiguación.svg Desambiguación : se buscas o período da historia da música entre o barroco e o romanticismo, consulta Clasicismo (música) .

O termo música clásica refírese a música culta , sagrada e profana , composta ou con raíces no contexto da cultura occidental . Abarca aproximadamente un período de tempo que comeza desde o século XI ata o século XX [1] ou, dependendo das convencións, ata a época contemporánea . Este período inclúe, en particular, o período caracterizado polo desenvolvemento e uso predominante da harmonía tonal , codificada entre os séculos XVII e XIX [2] . En contextos máis especializados, o termo "música clásica" tamén pode referirse, nun sentido máis restritivo, ao período musical chamado clasicismo [3] , pero na linguaxe común a expresión enténdese no seu significado máis amplo (en oposición á música lixeira ou música popular ).

Os límites da categoría son borrosos e cuestionables, xa que a marca do clasicismo é xeralmente asignada pola posteridade; polo tanto, o que hoxe se define como "clásico" non o foi necesariamente no momento en que foi composto. En particular, dependendo do contexto, o concepto de "música clásica" pode incluír ou non música culta contemporánea. A indicación de "música clásica" en referencia á música culta europea aparece a principios do século XIX , co fin de "canonizar" o período de Bach a Beethoven , pasando por Haendel e Mozart , como a época dourada da música [4] e as primeiras referencias a este uso, como se informa no Oxford English Dictionary , remóntanse ao redor de 1836. [1] [5]

Unha característica importante da música culta europea é o abandono da tradición oral e a introdución dun sistema de notación musical , desenvolvido gradualmente a partir do século IX . [6] Co paso do tempo a improvisación e a ornamentación extemporánea ou ad libitum , usadas habitualmente ata os séculos XVII e XVIII , foron perdendo pouco a pouco o espazo na interpretación do repertorio escrito, no que a vontade do compositor, trasladada á notación, interprétase dentro os límites da propia composición, deixando xa espazo para cambios arbitrarios na música por parte dos intérpretes. [7] [8] [9]

características

Dada a variedade extremadamente ampla de formas, estilos, xéneros e períodos históricos generalmente percibidos como "música clásica", é difícil identificar características comúns que poden caracterizar todas as obras deste tipo. As descricións máis típicas son vagas e de varios tipos, quizais referidas á perspectiva histórica (algo "composto hai moito", unha afirmación bastante cuestionable se temos en conta o propio concepto de música clásica contemporánea ). Non obstante, hai características que a música clásica comparte con poucos ou ningún outro xénero musical. [10] Entre as características determinantes, está a adopción dun sistema de notación musical que permitiu o paso da tradición oral á literatura escrita, alterando profundamente a transmisión da música e cambiando radicalmente tanto a forma de estudar e comunicarse como a de transmitir. o repertorio á posteridade. Outro punto clave, posibilitado pola transición da cultura musical oral á escrita, é o desenvolvemento dunha sólida e metódica harmonía que permita construír composicións musicais de considerable tamaño e complexidade, sen precedentes e non comparables con outras culturas musicais., Grazas tamén á introdución da técnica de modulación e a súa aplicación á construción do discurso musical, permitindo unha maior variedade.

Literatura

Unha característica fundamental da música clásica occidental é o abandono, a partir do século IX , da tradición oral, que caracterizou a música da antigüidade e que segue caracterizando a música popular e a de moitas culturas non europeas. O repertorio ponse por escrito en notación musical , coa creación dunha parte ou partitura musical para cada instrumento e, na música de conxunto, unha partitura que permite observar conxuntamente as partes de todos os instrumentos. Esta notación xeralmente determina con precisión o ritmo e a entoación e, onde están implicados dous ou máis músicos (cantantes e instrumentistas), especifica como se coordinan as diferentes partes individuais. A notación musical, ademais de preservar as obras ao longo do tempo, permitiu crear composicións cun alto nivel de complexidade: a música contrapuntística , como nas fugas de Bach , alcanza unha extraordinaria elaboración coa combinación de moitas liñas melódicas que, aínda que claramente distintos, encaixan perfectamente tanto a nivel rítmico como harmónico. Isto tamén permitiu o desenvolvemento dunha lóxica harmónica coherente que sería imposible levar a niveis similares de complexidade improvisando. [11]

Instrumentación

Icona de lupa mgx2.svg O mesmo tema en detalle: vento en madeira , latón (música) , cordas (música) , percusión e teclados (música) .
Unha banda xuvenil durante unha execución

Os instrumentos máis empregados no repertorio de música clásica inventáronse en gran parte antes de mediados do século XIX (moitas veces moito antes) e desenvolveron a súa forma moderna entre os séculos XVI e XIX. Os instrumentos máis comúns están presentes na orquestra ou na banda , xunto con moitos outros instrumentos para uso principalmente en solitario (como o piano , o clavecín e o órgano ). A orquestra sinfónica é a formación musical de conxunto máis coñecida polo público en xeral para a interpretación de música clásica [12] e inclúe as familias de cordas , ventos ( ventos de madeira e latón ) e percusión . A banda é outro conxunto musical que a miúdo interpreta música clásica; está composto por instrumentos pertencentes ás familias da madeira, o latón e a percusión. Normalmente ten unha variedade máis ampla (especialmente entre os latóns) e unha maior cantidade de instrumentos de vento que a orquestra, pero non ten unha sección de corda.

A finais do século XIX os compositores comezaron a interesarse polas culturas populares ou extraeuropeas e ás veces introduciron sons de instrumentos doutras culturas musicais, como o gamelan . Os instrumentos electrofónicos , como a guitarra eléctrica e as ondas Martenot , tamén poden estar presentes no repertorio dos séculos XX e XXI . Tanto os compositores de música clásica como pop experimentaron, nas últimas décadas, coa introdución de instrumentos electrónicos como o sintetizador e técnicas dixitais, como o uso de mostras ou sons xerados por computadora .

Orgánica

Icona de lupa mgx2.svg Mesmo tema en detalle: música de cámara .

Sobre a base do conxunto, en liñas xerais distinguimos xeralmente a música de instrumentos solistas (ou non acompañada), a música de cámara , que en cambio proporciona un conxunto xeralmente pouco extenso, no que cada instrumento mantén un papel individual e a música sinfónica ou a música orquestral. .

Un cuarteto de corda , un exemplo de formación en música de cámara

Os xéneros de cámara varían moito dependendo do tamaño e do tipo de persoal; é moi común atopar un instrumento melódico xunto cun instrumento polifónico (por exemplo, frauta e piano ou violín e piano), grupos de tres, catro ou cinco instrumentos, con ou sen piano, que poden ser tonalmente moi homoxéneos, quizais pertencentes ao mesma familia (por exemplo, trío ou cuarteto de corda ), ou non. [13]

Nalgunhas composicións pode haber un solista ou un instrumento cun papel claramente preeminente. O solista pode estar acompañado doutros instrumentos (xeralmente polifónicos, como o clavecín ou o piano) ou pola orquestra. Exemplos deste tipo son o concerto , no que o solista se opón a unha orquestra ou a outro conxunto (por exemplo, cordas e baixo continuo en concertos barrocos); hai concertos nos que hai varios solistas que se comunican entre eles e coa orquestra (exemplos coñecidos son o concerto para dous violíns de Bach ou o concerto para violín e violonchelo de Brahms ). O gran concerto , popular no barroco, implicou o contraste entre o conxunto (chamado tutti ou ripieno ou concerto grosso ) e un pequeno grupo de solistas (xeralmente dous violíns e violonchelo ou dous violíns, viola e violonchelo, chamados concertino ). [14]

A orquestra

Icona de lupa mgx2.svg O mesmo tema en detalle: Orquestra .
A Orquestra Filarmónica de Dublín interpretando a Sinfonía núm. 4 de Tchaikovsky en Charlotte, Carolina do Norte

Ata o Renacemento non había instrumentos pequenos e na música medieval os instrumentos dividíanse en dúas categorías: os máis sonoros, máis axeitados para o seu uso ao aire libre ou en igrexas e os menos sonoros, destinados ao uso en interiores. Inicialmente os instrumentos só se empregaban para dobrar ou acompañar as voces e os primeiros conxuntos instrumentais que se poden considerar como proto-orquestras naceron no século XVI, de composición moi heteroxénea e empregados no servizo litúrxico ou no acompañamento de danzas e para entretemento. O termo orquestra (xa usado desde os antigos gregos para indicar o nivel máis baixo do escenario nos teatros, destinado ao coro) volveu a usarse no Renacemento para indicar a zona situada fronte ao escenario teatral, no que normalmente estaban os músicos. colocado, e o termo tamén comezou a usarse para indicar o equipo instrumental nos anos setenta do século XVII [15] .

A orquestra barroca adoitaba estar composta só por cordas e instrumentos delegados para interpretar o baixo continuo ( clavecín , chitarrone , archlute , teorbo ), aos que se podían engadir ventos, tanto como partes dobres ad libitum como como partes reais, normalmente frautas , oboés , cornos , ás veces con trompetas e timbais . [12] Nos anos trinta e corenta do século XVIII a orquestra naceu no sentido moderno do termo, coas cordas flanqueadas de xeito estable polos ventos, normalmente dous óboes, dous cornos e un ou dous fagot, na música máis solemne ás veces. tamén trompetas e trombóns; os timbais e a frauta tamén podían estar presentes, a miúdo tocados por un oboísta. Durante o clasicismo, nas dúas últimas décadas do século XVIII, os instrumentos presentes previamente ad libitum, como frautas, clarinetes, trompetas e percusión, pasaron a formar parte do persoal estable da orquestra. Co Romanticismo o tamaño da orquestra aumentou progresivamente e no segundo cuarto do século XIX desapareceron os teclados empregados na realización do baixo continuo. Tanto o número de elementos en cada sección das cordas como o número e variedade de ventos e percusións aumentan, ata o xigantismo das orquestras wagnerianas e malerianas [15] .

O desenvolvemento da entoación

Icona de lupa mgx2.svg O mesmo tema en detalle: entoación (música) e temperamento (música) .
Exemplo de escalas temperadas e naturais: obsérvase que a escala natural , composta por intervalos de diferente amplitude, non pode traducirse simplemente en graos distintos do fundamental (no exemplo, de Do a Re maior), a diferenza do baseado en temperamento igual

Ligado ao desenvolvemento dos instrumentos existe o problema da construción das escalas sobre as que debe modelarse a súa entoación. Aínda que algúns instrumentos (como as cordas) teñen a posibilidade de afinar libremente e, polo tanto, adaptarse a calquera tipo de escala ( tonal ou non), noutros instrumentos a entoación só se pode cambiar coa afinación (por exemplo, clavecín, arpa, piano) ou incluso pode estar relacionado coa construción (por exemplo, moitos instrumentos de vento).

Outro problema xurdiu co desenvolvemento da harmonía tonal e posteriormente a práctica da modulación , que é o paso entre diferentes tons nunha mesma composición: a entoación natural , que proporciona tons e semitonos de amplitude non constante, non se presta facilmente a esta práctica. , requirindo nalgúns instrumentos (clavecín ou laúde, por exemplo) modificar a afinación para cambiar de tecla. Os teóricos da música, polo tanto, estudaron novas escalas e temperamentos (é dicir, cambios na amplitude de quintos e cuartos con respecto á súa entoación natural) que ofrecerían solucións de compromiso entre a perfección da entoación dos intervalos (o máis preto posible da súa entoación natural ) e a maior homoxeneidade posible dos propios intervalos dentro da escala, para permitir modulacións. [16]

O temperamento igual foise consolidando gradualmente durante os séculos XVIII e XIX, non obstante os diferentes temperamentos históricos adoitan empregarse na interpretación filolóxica da música antiga. Por exemplo, o temperamento mesotónico ou temperamento Werckmeister adoitan empregarse na interpretación historicamente informada da música antiga e barroca .

Formas

En forma musical chámase organización de elementos musicais nunha composición ou parte dunha composición. Detrás de cada acto compositivo, do máis pequeno ao máis grande, hai de feito unha tendencia á organización, aínda que isto non implique que a actividade compositiva poida reducirse a unha aplicación mecánica de esquemas preestablecidos. O estudo da forma musical ten máis interese pedagóxico que analítico ou crítico , e en obras de certa complexidade considéranse xeralmente diferentes aspectos da organización formal. [17] Por exemplo, Felix Salzer [18] propón unha distinción entre estrutura no sentido de análise schenkeriana melódica e harmónica, forma no sentido de organización e subdivisión desta estrutura en seccións da composición e as relacións que xorden entre estas seccións. , e deseño no sentido de organización superficial de material rítmico e temático. [17]

Aínda que os estilos máis populares baséanse principalmente en formas sinxelas, como a danza ou a forma de canción, a música clásica desenvolveu un gran número de xéneros e formas altamente sofisticadas de música vocal e instrumental. [19] As composicións poden ter unha organización interna variada do material musical e os compositores clásicos adoitan aspirar a impregnar a súa música cunha relación moi complexa entre os contidos emocionais e as ferramentas intelectuais coas que se obteñen. Moitas das obras máis populares da música clásica fan uso do desenvolvemento musical , o proceso polo cal unha idea ou motivo musical se reutiliza e elabora en diferentes contextos. Unha composición de música clásica normalmente pode verse como un discurso no que se elaboran elementos musicais de sentido autónomo (ideas musicais, temas, frases) para formar un camiño musical máis amplo. Exemplos de forma ou estruturación dunha composición ou parte dela son a forma de sonata , a forma de Lied , o rondo ou a fuga .

Complexidade

As composicións do repertorio clásico desenvolven unha complexidade artística a miúdo notable, que xorde do desexo de transmitir un discurso emocional articulado e realízase coa investigación e aplicación de técnicas e procedementos compositivos non triviais, como a atención á construción do fraseo e harmonización , uso de modulacións (cambio de tonalidade), desenvolvemento temático e contrapunto . A construción leva, polo tanto, ao desenvolvemento de varias formas e estruturas musicais, mencionadas na sección anterior . As composicións máis complexas, como a sonata , a sinfonía , o concerto , a ópera ou o oratorio , normalmente están compostas por unha xerarquía de unidades máis pequenas, por orde de complexidade crecente por gravados , frases musicais , períodos , seccións e movementos. (xeralmente en música instrumental) ou actos (en ópera e teatro musical, moitas veces pero non sempre á súa vez que se poden subdividir en escenas , posiblemente descompoñibles en pezas pechadas , por exemplo recitativos , arias ou arias ) ata a composición na súa totalidade.

A crecente complexidade da música deu lugar á necesidade de estudar loxicamente os seus compoñentes e as relacións entre eles, o que leva ao nacemento dunha disciplina coñecida como análise musical . A análise dunha composición ten como obxectivo acadar unha maior comprensión da música a través do estudo formal das súas estruturas e é moi útil non só no ensino compositivo (modelos de ensino nos que basearse para estruturar as súas ideas musicais) e interpretativo (axudando ao intérprete a comprender o funcionamento interior dunha composición e permitir así que se exprese mellor), pero tamén na escoita, permitíndolle seguir o discurso musical dun xeito moito máis claro e apreciar as súas sutilezas. A análise musical naceu como unha disciplina sistemática e rigorosa desde finais do século XIX, pero os principais conceptos analíticos están ben precedidos, pódense atopar xa no século XVII e desenvolvéronse gradualmente nos seguintes. [20]

Para satisfacer as necesidades de expresividade técnica e musical requiridas pola complexidade das composicións, os intérpretes de música clásica deben acadar altos estándares de dominio técnico. Requírese un considerable nivel de coñecemento da escritura musical, unha boa lectura á vista , capacidade e experiencia para tocar en conxunto , coñecemento profundo dos principios de tonalidade e harmonía , coñecemento da práctica de interpretación e familiaridade co estilo e a linguaxe musical inherentes a un determinado compositor, época ou estilo de música. Todo isto reflíctese na necesidade, por parte dos músicos clásicos, de moito estudo, articulado nun longo curso de formación e dun alto nivel de educación, xeralmente en moita maior medida que os músicos que practican xéneros "populares". Isto levou ao longo da historia ao nacemento e desenvolvemento de escolas de educación superior, incluídos os conservatorios , dedicadas ao estudo da música clásica. [21]

Historia

Icona de lupa mgx2.svg Mesmo tema detallada: Historia da música .

A historia da música clásica abrangue un longo período de tempo, durante o cal houbo unha continua evolución do estilo musical e das técnicas de xogo. Convencionalmente identifícanse períodos históricos suficientemente caracterizados, con todo esta división (como sempre na historiografía) só é formal. A evolución foi continua e gradual e a miúdo pouco homoxénea desde o punto de vista xeográfico, polo que calquera estaxe temporal debe considerarse puramente indicativa. Ademais, diferentes estilos a miúdo difiren en diferentes aspectos e principios. [22]

Outro tema importante na visión da historia da música clásica é a tendencia a centrar a atención nun número limitado de compositores e figuras musicais, chegando ás veces a identificar estilos ou períodos enteiros nalgúns nomes. Isto tamén é obviamente unha tendencia redutora, xa que os "grandes" compositores, aínda que son excelentes en termos de estética e xogaron un papel de considerable importancia na evolución da música, son só a punta dun panorama musical moito máis complexo e poboado. .. doutras figuras menos coñecidas polo público pero tamén de gran importancia histórica e nas que hai moita outra produción musical de excelente calidade vinculada a nomes moito menos celebrados. [23]

O punto central está ligado ao feito de que a visión moderna da música clásica non deriva linealmente da importancia artística ou histórica, senón que está filtrada polas modalidades sociais polas que a propia música pasa á masa de oíntes. institución do concerto público, estableceuse no século XIX. Por este motivo, o "famoso repertorio" de hoxe non reflicte necesariamente a importancia histórica e a calidade estética da música, pero sobre todo reflicte a música que podería incluírse nos programas de concertos do século XIX, máis filtrados pola apreciación da burguesía que compoñía o público destes concertos. Por esta razón, por exemplo, Beethoven é enormemente máis coñecido que Desprez , a pesar de que a calidade artística e a importancia histórica da música deste último non son nin moito menos inferiores á de Beethoven; a produción do gran flamenco de feito é esencialmente polifonía sagrada e, en menor medida, profana, que non tiña cabida no repertorio de concertos do século XIX que no seu lugar consagrou a Beethoven e outros excelentes nomes ao gran público. [24]

A visión da música está, polo tanto, condicionada pola historia da propia recepción da música e varía co paso do tempo tamén seguindo a evolución dos contextos sociais nos que se inseriu a música, a miúdo dun xeito moi preciso e funcional. Polo tanto, debido á evolución do panorama relixioso, a polifonía sagrada renacentista altamente refinada segue a ser pouco coñecida, de xeito similar pola transformación do teatro dunha sala de estar mundana e o esplendor das cortes a unha sala de concertos moderna, interese pola ópera do século XVII. casa perdeuse e, con poucas excepcións, no século XVIII. [23] No transcurso do século XX, con todo, a historiografía musical desenvolveuse moito e, especialmente a partir dos anos sesenta / setenta, a filoloxía musical e o estudo da práctica histórica da interpretación, grazas á cal estudouse moita música do pasado. e volve representarse e gravarse.

Por razóns similares, a importancia e a fama dos compositores cambiou considerablemente co paso do tempo, polo que non debería estrañar que incluso aqueles que agora son considerados os mellores nomes da historia fosen vistos dun xeito notablemente diferente no pasado, e igualmente grandes nomes de o pasado hoxe reduciuse significativamente. Por exemplo, a música de Bach , xa pasada de moda nos últimos anos da súa vida, foi esquecida e despois da súa morte só foi coñecida e estudada como un interese teórico e formal por un círculo limitado de eruditos, e foi redescuberta e devolta a a atención do público en xeral só en 1829, cando Felix Mendelssohn dirixiu unha representación da Paixón segundo Mateo : a súa música, de feito, despois de ser esquecida pola perda da súa función eclesiástica e cortesá, atopou unha nova posición no contexto. das novas tendencias do romanticismo, que lle deu unha nova vida nas salas de concertos. [23] Do mesmo xeito, dos tres nomes que hoxe case identifican o clasicismo , a saber, Haydn , Mozart e Beethoven , só o primeiro sería recoñecido nestes vértices por un público da época, sendo celebrado como o mellor compositor vivo do seu tempo, mentres que Mozart probablemente tería prioridade por exemplo por Salieri [25] e Beethoven Rossini . [26]

Vínculo coa música antiga

Icona de lupa mgx2.svg Mesmo tema en detalle: Música da antigüidade .

Hai moi pouco coñecemento da música da antigüidade, xa que a ausencia dunha tradición escrita impedía a transmisión do repertorio. Polo tanto, os estudos dependen de fontes indirectas para estudar a música e o seu papel cultural e social. A música era a miúdo considerada como un ben de consumo efémero, a diferenza doutras formas de arte, e faltaba o mesmo desexo de estruturar un repertorio e transmitilo. A un nivel hipotético, Burgh (2006) estuda e suxire a posible influencia da música antiga na música clásica occidental, remontándose á música do antigo Exipto , considerando a escrita quironómica e a antiga orquestra exipcia, que se remontan ao 2.695 a.C. [27 ]

Mesopotamia

En canto ás culturas mesopotámicas, non quedan moitas evidencias directas da súa cultura musical. Os baixorrelevos , as táboas e os achados arqueolóxicos proporcionan algunha información sobre os instrumentos en uso, principalmente frautas, arpas, percusións e liras bastante avanzadas que poderían alcanzar dimensións xigantescas. Os músicos sumerios e babilonios dividíronse en dúas castas, os Nar foron asignados á música de celebración e loanza e a gala á música do lamento. Testemuña o importante papel da música na relixión, con himnos e cancións acompañados de instrumentos na liturxia. Nalgúns textos sagrados que chegaron aos nosos días, algunhas inscricións interprétanse como indicacións musicais relacionadas co canto responsorial e o acompañamento. Algúns textos mencionan nomes de instrumentos e información de afinación, e un texto interpretouse como unha notación musical para o acompañamento dun himno. [28]

A cultura mesopotámica tivo unha influencia significativa na cultura occidental, tamén recoñecida por autores gregos e latinos, e na práctica dos cantos salmodicos mesopotámicos podemos albiscar un xerme de prácticas litúrxicas xudías e cristiás, nas que atopamos as afastadas raíces da música culta occidental. ... Outra influencia, aínda que obviamente indirecta e non vinculada á música da antigüidade, débese a que moitos músicos se inspiraron nas súas composicións no redescubrimento da cultura mesopotámica, como Händel , Rossini , Verdi , Prokof'ev e Martinů . [29]

Xudeus antigos

A música desempeñou un papel importante na cultura xudía e proveñen significativas evidencias da Biblia . En Xénese [30] e noutros libros posteriores hai información sobre os instrumentos musicais empregados polos xudeus, dividida en tres categorías: cornos e trompetas, prerrogativa da clase sacerdotal, cordófonos (liras e liras) empregados polos músicos ao servizo de o templo e outros aerófonos, como frautas e asubíos, empregados pola xente. La Bibbia riporta anche testimonianze del simbolismo musicale religioso, come il suono del sofar , associato alla manifestazione divina (ad esempio nel sacrificio di Isacco [31] o nella manifestazione sul monte Sinai [32] ), o l'impiego di complessi musicali grandiosi nelle celebrazioni più solenni, come il trasporto dell' Arca a Gerusalemme [33] o la consacrazione del Tempio. [34] Altra testimonianza molto significativa è il Salmo 137 , nel periodo della cattività babilonese . Con la nascita delle sinagoghe , il culto era incentrato sulla lettura intonata dei salmi, detta cantillazione , trasmessa anche alla liturgia cristiana antica e nella quale affonda le proprie radici la monodia liturgica medievale, che è fra le basi della musica colta europea.

Antica Grecia

Magnifying glass icon mgx2.svg Lo stesso argomento in dettaglio: Musica nell'antica Grecia .

Tracce significative sono state lasciate dalla cultura greca, nella quale la musica rivestiva un ruolo significativo. I greci hanno sviluppato una raffinata teoria filosofica della musica, studiando gli intervalli e costruendo scale. [35] Tale interesse era soprattutto teorico e speculativo e c'era una certa distinzione con la musica d'uso. I greci hanno infatti sviluppato un sistema di notazione musicale basato sulle lettere dell'alfabeto, che però era di utilità meramente pratica e veniva infatti impiegato nella musica di consumo, ma non studiato e trattato dai teorici, motivo per il quale di esso rimangono pochissime conoscenze e solo un limitato numero di frammenti, a differenza delle teorie speculative, trasmesse ai posteri. Due tra i principali strumenti della musica greca erano l' aulos , strumento aerofono ad ancia associato a Pan e al culto orgiastico, e la lyra , cordofono associato ad Apollo e alla razionalità.

La dicotomia fra il dionisiaco e l'apollineo che caratterizza diversi aspetti della cultura greca si ritrova quindi anche nella musica, emblematizzate dai miti legati a tali strumenti. Secondo la leggenda l'aulos sarebbe stato infatti inventato da Atena e il suo suono doveva simulare l'atroce lamento di Medusa , da lei trasformata da magnifica fanciulla in creatura mostruosa. Specchiandosi la dea constatò quanto brutta fosse l'espressione del suo bellissimo viso nello sforzo del suonare e gettò via lo strumento che venne raccolto da Marsia , il cui deforme aspetto di satiro invece non poteva certo peggiorare di molto. La lyra invece sarebbe stata inventata da Ermes il quale, dopo aver rubato una mandria di vacche al dio Apollo, trovò una tartaruga . Con il suo guscio come cassa costruì lo strumento, con il cui suono prodigioso poté accompagnare il canto. Apollo fu talmente colpito dalla bellezza di tale musica da accettare la lyra da Ermes in riparazione per la mandria di vacche. Marsia sfidò poi Apollo, tentando con la musica di ergersi al livello degli dei, ma quest'ultimo poteva associare al suono della sua lyra la razionalità della parola, preclusa invece allo strumento a fiato, vincendo in questo modo la sfida e condannando Marsia alla decorticazione. Tale mito mostra anche un altro legame, per certi aspetti paradossale, tra apollineo e dionisiaco, in quanto l'aulos, strumento associato all'orgiasmo, sarebbe stato inventato dalla dea della ragione, mentre lo strumento per eccellenza della razionalità, la lyra, sarebbe stato ideato dal dio del sogno. [36]

Tale racconto mitico riflette la concezione musicale dicotomica dei greci, nella quale la musica aveva un ruolo importante sia nell'estasi orgiastica sia nella declamazione della poesia, massima espressione di razionalità. La musica greca era basata sulle harmoniai (o modi ), a ciascuna delle quali era associata una scala e un insieme di elementi ritmici e melodie tradizionali, ea ciascuna di esse era anche associato un effetto sull'animo umano ( ethos ). Ad esempio l'armonia dorica era associata alla virtù e alla compostezza, mentre quella frigia era associata alla frenesia e all'entusiasmo orgiastico. Questo effetto era tenuto in grande considerazione, e Platone suggeriva quale dovesse essere l'uso educativo e quale quello diseducativo, e dunque bandito, della musica nella sua Repubblica [37] , mentre Aristotele teorizzava la "catarsi omeopatica", che prevedeva l'impiego dell'ethos negativo per epurare omeopaticamente l'anima. [38]

Musica medievale e rinascimentale

Musicista che suona una viella in un manoscritto Medievale del XIV secolo.
La chanson Belle, bonne, sage di Baude Cordier , un pezzo del' ars subtilior compreso nel Codice di Chantilly .
Johannes Ockeghem , Kyrie "Au travail suis," estratto
Magnifying glass icon mgx2.svg Lo stesso argomento in dettaglio: Musica medievale e Musica rinascimentale .
Magnifying glass icon mgx2.svg Lo stesso argomento in dettaglio: Musica antica .
Magnifying glass icon mgx2.svg Lo stesso argomento in dettaglio: Lista di compositori medievali e Lista di compositori rinascimentali .

Il periodo medievale comprende musica da dopo la caduta dell'Impero Romano, a circa il 1400 [39] . Il canto monofonico , chiamato anche gregoriano o canto gregoriano , era la forma dominante fino a circa il 1100. [39] La polifonia (più voci), si sviluppò dal canto monofonico, dal tardo medioevo al rinascimento , sfociando nel complesso mottetto . Il periodo rinascimentale è andato dal 1400 al 1600 circa ed è stato caratterizzato da un maggiore uso della strumentazione , più linee melodiche intrecciate, e l'uso dei primi strumenti bassi. Si diffuse l'utilizzo della danza come forma di socializzazione e cominciarono a standardizzarsi forme musicali appropriate per accompagnare la danza.

È in questo periodo che inizia a formarsi la notazione di musica su un pentagramma e di altri elementi di notazione. [40] Questa invenzione rese possibile la separazione della composizione di un brano musicale dalla sua trasmissione; senza musica scritta, la trasmissione era orale, ed era soggetta a cambiamenti ogni volta che veniva trasmessa ad altri esecutori. Con una partitura musicale , l'opera musicale poteva essere eseguita senza la presenza del compositore. [39] L'invenzione della stampa a caratteri mobili , nel XV secolo , apportò conseguenze di vasta portata sulla conservazione e la trasmissione della musica. [41]

Fra i tipici strumenti a corda del primo periodo vi furono l' arpa , il liuto , la viella , la ribeca e il salterio , mentre fra gli strumenti a fiato il flauto diritto e traversio , la bombarda (progenitore dell' oboe ), la tromba e la cornamusa . Esistevano anche dei semplici organi ma erano in gran parte confinati alle chiese, anche se ne esistevano varietà portatili . [42] Più tardi, nel periodo, vennero realizzate le prime versioni di strumenti a tastiera come il clavicordo e il clavicembalo . Le viole da gamba apparvero nel XV secolo e le viole da braccio solo nel secolo successivo. [43]

L'epoca dell'armonia tonale

Il periodo della pratica comune è quello in cui presero forma molte delle idee che compongono la musica classica occidentale, venendo standardizzate e codificate. Ebbe inizio con l' epoca barocca , che va dal 1600 circa alla metà del XVIII secolo . Seguì il periodo del classicismo, che terminò all'incirca intorno al 1820. L'epoca romantica si sviluppò nel XIX secolo, terminando intorno al 1910.

Musica barocca

Fra gli strumenti della musica barocca: ghironda , clavicembalo , viola da gamba , liuto , violino barocco e chitarra barocca
Magnifying glass icon mgx2.svg Lo stesso argomento in dettaglio: Musica barocca .
Magnifying glass icon mgx2.svg Lo stesso argomento in dettaglio: Lista di compositori barocchi .

La musica barocca è caratterizzata dall'uso di complesso contrappunto tonale e dall'uso del basso continuo . La musica è diventata più complessa rispetto alle canzoni dei periodi precedenti. [12] L'inizio della forma sonata scaturì dalla canzona , di fatto una nozione più formalizzata di tema e variazioni . [44]

Durante l'epoca barocca, la musica per tastiera, suonata sul clavicembalo e sull' organo divenne sempre più popolare, e la famiglia dei violini e degli strumenti a corda assunse la forma generalmente presente al giorno d'oggi. L'opera, come dramma musicale messo in scena, iniziò a differenziarsi da precedenti forme musicali e drammatiche, e le forme vocali, come la cantata e l' oratorio divennero più comuni. [45] I cantanti iniziarono ad aggiungere abbellimenti alle linee melodiche. [12] Gli ensemble strumentali cominciarono a distinguersi ea standardizzarsi per dimensione, dando origine alle prime orchestre, con musica da camera scritta per piccoli gruppi di strumenti in cui le parti erano interpretati da singoli strumenti (anziché masse orchestrali). Si diffuse il concerto come veicolo per le esecuzioni di solista accompagnato da un'orchestra, anche se il rapporto tra solista e orchestra era relativamente semplice.

I compositori iniziarono a utilizzare modulazioni sempre più complesse ea scrivere brani in tonalità con molte alterazioni, incompatibili con il temperamento mesotonico in uso nel Rinascimento. A livello teorico, vari autori (a iniziare da Simone Stevino , 1605) iniziarono a sostenere l'adozione del temperamento equabile , che tuttavia era praticamente impossibile da realizzare esattamente nell'accordatura degli strumenti a tastiera. Nella pratica musicale si diffusero piuttosto i cosiddetti buoni temperamenti ( Andreas Werckmeister , 1686) che permettevano di suonare in qualsiasi tonalità, con gradi di consonanza degli accordi principali leggermente diversi a seconda della tonalità e dello schema di accordatura adottato. Questo rese possibile la pubblicazione di raccolte di brani scritti programmaticamente in tutte le tonalità, la più celebre delle quali è il Clavicembalo ben temperato di Johann Sebastian Bach .

Classicismo

Joseph Haydn (1732–1809) c. 1770
Magnifying glass icon mgx2.svg Lo stesso argomento in dettaglio: Classicismo musicale .

Il periodo del classicismo musicale, da circa il 1750 al 1820, stabilì molte delle norme di composizione, presentazione e stile, e fu quello in cui il pianoforte diventò lo strumento a tastiera predominante. Le forze di base necessari per un'orchestra diventarono un po' più standardizzate (anche se sarebbero cresciute a seguito di una gamma più ampia di strumenti sviluppata nei secoli successivi). La musica da camera crebbe fino a includere gruppi con 8 o 10 esecutori per la serenata . L' opera continuò a svilupparsi, secondo gli stili regionali dell'opera italiana, francese e tedesca. L' opera buffa vide aumentare la sua popolarità, la sinfonia divenne una vera e propria forma musicale e il concerto venne sviluppato come veicolo per mettere in mostra le doti di virtuosità del solista. Le orchestre non richiedevano più la presenza di un clavicembalo (che aveva fatto parte del continuo tradizionale nel periodo barocco) ed erano spesso dirette dal primo violino chiamato konzertmeister . [46]

Gli strumenti a fiato divennero più raffinati. Mentre gli strumenti ad ancia doppia come l' oboe e il fagotto vennero in qualche modo standardizzati nel periodo barocco, il clarinetto e la famiglia degli strumenti ad ancia singola, non vennero ampiamente utilizzati fino a Mozart che ampliò il suo ruolo nell'orchestra da camera e nelle impostazioni del concerto.

Musica romantica

Magnifying glass icon mgx2.svg Lo stesso argomento in dettaglio: Musica romantica .

La musica del periodo romantico, da circa il primo decennio del XIX secolo alla metà del XX secolo, è stata caratterizzata da una maggiore attenzione alla linea melodica estesa, così come agli elementi espressivi ed emotivi, in parallelo al romanticismo in altra forme artistiche. Le forme musicali hanno cominciato a creare una rottura rispetto a quelle del classicismo (anche se quelle erano state oggetto di codifica), con pezzi in forma libera, come notturno , fantasie e preludi composti secondo delle linee che ignoravano o minimizzavano l'esposizione e lo sviluppo dei temi. [47] La musica divenne più cromatica, dissonante, e timbricamente colorata, con tensioni (rispetto alle norme accettate dalle vecchie forme) su tonalità crescenti. [48] Il lied giunse a maturità, come fece il Grand opéra , alla fine trasceso da Richard Wagner nel ciclo del Ring . [49]

Nel XIX secolo le istituzioni musicali si affrancarono dal controllo di ricchi mecenati, e compositori e musicisti poterono costruirsi una vita autonoma dall'influenza della nobiltà. Il crescente interesse per la musica, da parte della classe media in tutta l'Europa occidentale, stimolò la creazione di organizzazioni per l'insegnamento, l'esecuzione e la conservazione della musica. Il pianoforte , che raggiunse la sua costruzione moderna in questo periodo (in parte grazie ai progressi industriali in metallurgia ) divenne molto popolare presso la classe media, le cui richieste fecero nascere un gran numero di costruttori di pianoforte. Inoltre questo strumento, per via della sua grande capacità espressiva, fu il più utilizzato dai compositori dell'epoca, poiché il principale intento dei musicisti di allora era quello di dare una grande mutevolezza di suoni e di emozioni, facendo del pianoforte lo strumento principe di quel periodo. Molte orchestre sinfoniche datano la loro fondazione in questa epoca. [48] Alcuni musicisti e compositori furono le stelle del XIX secolo; Franz Liszt e Niccolò Paganini , furono sia virtuosi del loro strumento che compositori. [50]

Le famiglie di strumenti utilizzati, specie in orchestra, andarono incontro ad un incremento. Iniziarono ad apparire una vasta gamma di strumenti a percussione . Gli ottoni assunsero ruoli più important; l'introduzione della valvola rotativa rese possibile suonare una più ampia gamma di note. La dimensione dell'orchestra (in genere circa quaranta elementi in epoca classica) crebbe fino a raggiungere e superare il centinaio di musicisti. [48] La Sinfonia n. 8 di Gustav Mahler (1906), per esempio, venne eseguita da più di 150 strumentisti e da un coro di più di 400 cantanti.

Le idee e le istituzioni culturali europee cominciarono a seguire l'espansione coloniale in altre parti del mondo. Ci fu anche un aumento, soprattutto verso la fine del periodo, del nazionalismo in musica (eco, in alcuni casi, dei sentimenti politici del tempo), in quanto compositori come Edvard Grieg , Nikolai Rimsky-Korsakov e Antonín Dvořák inserirono nelle loro composizioni temi tradizionali delle loro terre. [51]

Musica moderna e contemporanea

Magnifying glass icon mgx2.svg Lo stesso argomento in dettaglio: Musica moderna e Musica contemporanea .

L'inizio del XX secolo vede una diffusa crisi politica, sociale e culturale, che porta alla Prima guerra mondiale . Il crollo del mondo del XIX secolo trova un corrispettivo nel crollo dell'impianto tonale tradizionale. Nasce la musica moderna , in cui i compositori, in vario modo, respingono i valori tradizionali della pratica comune, come la tonalità, la melodia e la struttura. Pur nella grande varietà di tendenze creative, le esperienze più influenti da principio furono in Francia quelle di Claude Debussy , Maurice Ravel e del cosiddetto Gruppo dei Sei ; ea Vienna, dagli anni Venti, la teoria dodecafonica elaborata da Arnold Schönberg e proseguita dai suoi discepoli Alban Berg e Anton Webern . Le tecniche compositive sviluppate da Olivier Messiaen costituirono un modello e fonte di ispirazione per molti musicisti appartenenti alle correnti di avanguardia a partire dal secondo dopoguerra: tra questi, Pierre Boulez , Luigi Nono e Karlheinz Stockhausen . A partire dagli anni Cinquanta, si iniziò a sperimentare da un lato l'utilizzo dell' elettronica (vedi Stockhausen ), dall'altro da parte musicisti come John Cage si fece strada un nuovo principio che introduceva nelle composizioni elementi di casualità ( musica aleatoria ). A partire dagli anni Sessanta le tendenze e gli stili si moltiplicano, mentre sono molte le personalità eclettiche difficilmente riconducibili ad una specifica corrente [52] .

Significato della notazione scritta

Visione modernista del significato della composizione

Le visioni moderniste sostengono che la musica classica è considerata soprattutto una "tradizione musicale scritta", conservata in notazione musicale , invece di essere trasmessa oralmente, a memoria. Mentre ci sono differenze tra le particolari interpretazioni di un'opera classica, un pezzo di musica classica è generalmente ritenuto trascendere qualsiasi interpretazione. L'uso della notazione musicale è un metodo efficace per trasmettere la musica classica, in quanto la musica scritta contiene le istruzioni tecniche per l'esecuzione delle opere.

La partitura scritta, comunque, di solito non contiene istruzioni esplicite su come interpretare il pezzo in termini di esecuzione, a parte le indicazioni per le dinamiche , il tempo e l'espressione (in una certa misura). Questo è lasciato alla discrezione degli esecutori, che sono guidati dalla loro esperienza personale, dall'educazione musicale, dalla conoscenza del linguaggio dell'opera, dai loro gusti artistici personali, e dall'accumulo di pratiche esecutive storiche.

Critiche alla visione modernista

Alcuni critici esprimono il parere che è solo dalla metà del XIX secolo, e soprattutto nel XX secolo, lo spartito ha cominciato ad avere un alto significato. In precedenza, l' improvvisazione , la flessibilità ritmica, la deviazione dalla partitura e la tradizione orale sulla esecuzione erano parte integrante dello stile della musica. Nel XX secolo, questa tradizione orale e di trasmissione delle caratteristiche stilistiche nella musica classica è definitivamente scomparsa. Oggi i musicisti usano lo spartito per eseguire la musica ma, nonostante questo, vi sono notevoli controversie su come eseguire i pezzi.

Alcune citazioni che mettono in risalto questa critica della sopravvalutazione modernista dello spartito:

  • "... uno degli equivoci moderni più ostinati in materia di musica barocca è che era prevista una regolarità metronomica" (Baroque Interpretation in Grove 5th edition di Robert Donington)
  • "La storia di questa particolare idea è piena di vicoli ciechi e progetti falliti. È giunto il momento che queste idee sbagliate siano affrontate con rigore accademico." History of Metaphysics di Andrew Pyle
  • "Troppi insegnanti, condizionati dalle idee del XX secolo, insegnano Bach e altra musica barocca esattamente nel modo sbagliato. Questo porta a ciò che il musicologo Sol Babitz chiama macchina da cucire Bach ." [53]
  • "... la tendenza a guardare allo stesso modo, il suono e il pensiero. I conservatori ne hanno la colpa e sono stati in colpa per molti anni. Ogni musicista sensibile in giro per il mondo ha notato la stessa cosa. I conservatori, da Mosca e Leningrado alla Juilliard, Curtis e Indiana, stanno producendo un prodotto standardizzato.
    [...] Chiarezza, ritmo immodificato, tecnica semplice, musicalità . Ho messo la parola musicalità tra virgolette, perché, come spesso non è, si tratta di un falso tipo di musicalità - una musicalità che vede l'albero e non la foresta, che si prende cura del dettaglio, ma ignora il quadro; una musicalità che è legata alla nota stampata piuttosto che al significato emotivo di un pezzo.
    Resta il fatto che oggi ci sia una uniformità terribile e anche una spaventosa mancanza di conoscenza della cultura e delle esecuzioni tradizioni del passato." ("Music Schools Turning out Robots?" [53] di Harold C. Schonberg)

Improvvisazione

Un tempo l' improvvisazione giocava un ruolo importante nella musica classica. Un esempio residuo di questa tradizione improvvisatoria nella musica classica può essere ascoltato nella cadenza , un passaggio presente soprattutto nel concerto , progettato per consentire ad interpreti qualificati di esporre il loro virtuosismo sullo strumento. Tradizionalmente questa era improvvisata dall'esecutore; tuttavia, è spesso scritta in anticipo per (o occasionalmente da) l'esecutore. L'improvvisazione è un aspetto importante nelle esecuzioni autentiche di opere di epoca barocca e del bel canto (in particolare nelle opere di Vincenzo Bellini ), ed è meglio esemplificato dall' aria con da capo , una forma adottata, in genere, da cantanti famosi e che prevede l'esecuzione di variazioni della materia tematica l'aria nella sezione di ricapitolazione (sezione 'B' / la parte da capo ). Un esempio è la complessa variazione, anche se pre-scritta cantata dal soprano Beverly Sills , Da tempeste il legno infranto dall'opera Giulio Cesare di Händel.

La sua trasmissione scritta, insieme alla venerazione professata per certe opere classiche, ha portato l'aspettativa degli ascoltatori a pensare che gli esecutori riusciranno a rendere un'opera musicale in un modo tale da riprodurre in dettaglio le intenzioni originali del compositore. Nel corso del XIX secolo i dettagli che i compositori inserivano nello loro partiture erano generalmente aumentati. Eppure la tendenza odierna è opposta - ammirazione di artisti che eseguono nuove "interpretazioni" del lavoro del compositore - e non è insolito per un compositore lodare un esecutore per aver ottenuto una migliore realizzazione rispetto all'intento originale del compositore. Gli interpreti di musica classica spesso raggiungono alta reputazione per la loro musicalità, anche se non hanno mai composto un pezzo in vita loro. In generale tuttavia, sono i compositori che vengono ricordati più degli esecutori.

Il primato della partitura scritta dal compositore ha portato anche oggi, a un ruolo relativamente minore svolto dalla improvvisazione nella musica classica, in netto contrasto con la prassi dei musicisti che hanno vissuto durante l'epoca barocca, classica e romantica. L'Improvvisazione nell'esecuzione di musica classica, che era comune sia durante l'epoca barocca che nel XIX secolo, andò fortemente diminuendo nella seconda metà del XIX secolo e nel XX. Durante il periodo classico, Mozart e Beethoven, spesso improvvisavano cadenze ai loro concerti per pianoforte (incoraggiando in tal modo anche altri a farlo), ma fornirono anche cadenze scritte per l'utilizzo da parte di altri solisti. Nell'opera lirica, la pratica di cantare rigorosamente aderenti allo spartito, vale a dire come scritto , è stata notoriamente propagata dal soprano Maria Callas , che ha chiamato questa pratica inquadrare in modo rigido ed era dettata dal voler comprendere meglio l'intenzione del compositore, soprattutto durante lo studio della musica per la prima volta.

Relazioni con altre tradizioni musicali

Musica popolare

La musica classica ha spesso incorporato elementi o materiali tematici presi dalla musica popolare del tempo del compositore. Gli esempi comprendono la musica utilizzata da Brahms nelle canzoni delle bevute dello studente in Academic Festival Overture , le musiche di Kurt Weill in L'opera da tre soldi , e l'influenza del jazz , agli inizi del XX secolo, su compositori come Maurice Ravel , esemplificata dal movimento intitolato "Blues" nella sua sonata per violino e pianoforte. [54] Alcuni compositori postmoderni , minimalisti e postminimalisti riconoscono di essere debitori alla musica popolare. [55]

Numerosi esempi mostrano l'influenza nella direzione opposta, tra cui canzoni popolari tratte da musica classica. Si ricordi l'uso del Canone di Pachelbel nel 1970, e il fenomeno di crossover con il quale i musicisti classici hanno raggiunto il successo nel campo della musica popolare. [56]

Musica folk

Alcuni compositori di musica classica hanno spesso fatto uso di musica folk (musica creata da musicisti che non hanno normalmente una preparazione musicale e spesso portatori di una tradizione puramente orale). Alcuni compositori di musica classica, come Dvořák e Smetana , hanno spesso utilizzato pezzi di musica folk, [57] per conferire un'impronta nazionalistica alle loro opere, mentre altri come Bartók hanno usato temi specifici tratti di peso da musiche popolari del loro paese d'origine. [58]

Commercializzazione

Alcuni pezzi di musica classica sono stati spesso usati per motivi commerciali (sia nella pubblicità che nelle colonne sonore cinematografiche). In alcuni spot pubblicitari televisivi, diversi temi sono divenuti degli stereotipi , in particolare l' ouverture da Also sprach Zarathustra di Richard Strauss (resa famosa dalla colonna sonora del film 2001: Odissea nello spazio ) e l'inizio di "O Fortuna" di Carl Orff pezzo tratto dai Carmina Burana , spesso utilizzato in film di genere horror ; altri esempi sono il Dies Irae dal Requiem di Verdi , In the Hall of the Mountain King dal Peer Gynt di Edvard Grieg , le battute iniziali Sinfonia n. 5 di Beethoven , la Cavalcata delle Valchirie da Die Walküre di Wagner e diversi altri. La romanza " Nessun dorma " dall'opera Turandot di Giacomo Puccini , ad esempio, è stata utilizzata per la colonna sonora del Campionato mondiale di calcio 1990 . Alcune battute del Gran vals per chitarra di Francisco Tárrega sono state utilizzate dalla Nokia come suoneria predefinita per i suoi dispositivi, nota come Nokia tune e divenuta estremamente celebre.

Diverse opere di animazione statunitensi hanno utilizzato pezzi di musica classica. Fra le più note il film di Walt Disney , Fantasia , quello di Tom and Jerry Johann Mouse , e quelli della Warner Bros. ' The Rabbit of Seville e What's Opera, Doc? .

Allo stesso modo, i film e la televisione spesso utilizzano frammenti di musica classica per trasmettere raffinatezza e opulenza: alcuni dei pezzi più spesso utilizzati in questa categoria comprendono Eine kleine Nachtmusik di Mozart , Le quattro stagioni di Vivaldi , Una notte sul Monte Calvo di Mussorgsky (orchestrato daRimskij-Korsakov ), e l' ouverture dal Guglielmo Tell di Rossini .

Shawn Vancour sostiene che la commercializzazione di musica classica agli inizi del XX secolo serviva a danneggiare l'industria musicale attraverso una rappresentazione inadeguata. [59]

Note

  1. ^ a b "Classical", The Oxford Concise Dictionary of Music , ed. Michael Kennedy, (Oxford, 2007), Oxford Reference Online .
  2. ^ Questo periodo è spesso indicato nella letteratura anglosassone come common practice era ( Common practice period , in Enciclopedia Britannica . URL consultato il 10 aprile 2014 . )
  3. ^ A differenza di altre arti (come pittura o scultura) in musica il periodo classico non indica l'età greco - romana antica.
  4. ^ Rushton, Julian, Classical Music , (London, 1994), 10
  5. ^ The Oxford English Dictionary, classical, a. , su dictionary.oed.com , The OED Online, 2007. URL consultato il 10 maggio 2007 .
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  10. ^ Michael Kennedy (2006), The Oxford Dictionary of Music , p. 178
  11. ^ Knud Jeppesen: "Bach's music grows out of an ideally harmonic background, against which the voices develop with a bold independence that is often breath-taking." Da Adele Katz (1946; ristampa 2007)
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  24. ^ Carrozzo, Cimagalli , vol. 2, p. 254 .
  25. ^ Il nome di Salieri è ritornato famoso soprattutto dopo la pubblicazione del film Amadeus , basato sull' omonimo dramma di Peter Shaffer ; questo ha però trasmesso una immagine totalmente distorta e storicamente inconsistente del compositore italiano, che viene ritratto come accecato dall'invidia verso Mozart e viene addirittura ritenuto responsabile della sua morte.
  26. ^ Carrozzo, Cimagalli , vol. 2, p. 355 .
  27. ^ Burgh, Theodore W. Listening to the Artifacts: Music Culture in Ancient Palestine , T & T Clark International (2006)
  28. ^ Randel , p. 506 .
  29. ^ Bertman , p. 333 .
  30. ^ Genesi IV, 23-24
  31. ^ Genesi XXXII, 13.
  32. ^ Esodo XIX, 6, 19.
  33. ^ Libro II di Samuele VI, 14-15.
  34. ^ Libro II delle Cronache V, 11-14.
  35. ^ Grout , p. 28
  36. ^ Carrozzo, Cimagalli , vol. 1, pp. 13-15 .
  37. ^ Platone , La Repubblica , III, 399d (trad. Franco Sartori).
  38. ^ Carrozzo, Cimagalli , vol. 1, p. 19 .
  39. ^ a b c Grout , pp. 75–76
  40. ^ Grout , p. 61
  41. ^ Grout , pp. 175–176
  42. ^ Grout , pp. 72–74
  43. ^ Grout , pp. 222–225
  44. ^ Grout , pp. 300–332
  45. ^ Grout , pp. 341–355
  46. ^ Grout , p. 463
  47. ^ Swafford , p. 200
  48. ^ a b c Swafford , p. 201
  49. ^ Grout , pp. 595–612
  50. ^ Grout , p. 543
  51. ^ Grout , pp. 634,641–2
  52. ^ Mùsica, stòria della , in Treccani.it – Enciclopedie on line , Istituto dell'Enciclopedia Italiana.
  53. ^ a b "Music Schools Turning out Robots?" by Harold C. Schonberg; Daytona Beach Morning Journal – 19 ottobre 1969
  54. ^ ( EN ) Kelly, Barbara. Ll, Ravel, Maurice , in Grove Online , §3: 1918–37.
  55. ^ Si veda ad esempio, ( EN ) Nyman, Michael, Siôn, Pwyll Ap , in Grove Online .
  56. ^ Notevoli esempi sono Hooked on Classics serie di registrazioni fatte dalla Royal Philharmonic Orchestra agli inizi degli anni ottanta del Novecento e le violiniste classiche Vanessa Mae e Catya Maré.
  57. ^ David Yeomans, Piano Music of the Czech Romantics: A Performer's Guide , Indiana University Press, 2006, p. 2, ISBN 0-253-21845-4 .
  58. ^ Haley Stevens, Gillies, Malcolm, The Life and Music of Béla Bartók , Oxford, Clarendon Press, 1993, p. 129, ISBN 0-19-816349-5 .
  59. ^ Shawn Vancour, Popularizing the Classics: Radio's Role in the Music Appreciation Movement 1922-34. , in Media, Culture and Society , vol. 31, n. 2, marzo 2009, p. 19, DOI : 10.1177/0163443708100319 . URL consultato il 24 aprile 2012 .

Bibliografia

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